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Más de un siglo después de sus humildes comienzos en Brooklyn, Gretsch sigue repitiendo el mismo mantra que dio origen a su leyenda: el éxito no ocurre por casualidad, se construye con intención. Lo que empezó como un pequeño taller artesanal se ha convertido en una marca global, sin perder nunca el carácter, la elegancia y la audacia que definen su sonido.

Friedrich Gretsch de emigrante a emprendedor

La historia de Gretsch comienza con Friedrich Gretsch, un emigrante alemán que, impulsado por su espíritu visionario, empezó a fabricar banjos, tambores y panderetas a mano en un pequeño taller de Brooklyn. Aquellos primeros instrumentos sentaron las bases de una filosofía que todavía hoy define a la marca: artesanía, innovación y pasión por la música.

Tras la muerte prematura de Friedrich, la responsabilidad de la empresa recayó en su hijo, Fred Gretsch, Sr., con tan solo 15 años. Lejos de frenar el crecimiento, este relevo temprano marcó el inicio de una era de expansión sin precedentes.

Admira dispone de una amplia gama de guitarras organizadas en diferentes series, cada una diseñada para distintos niveles de experiencia y estilos musicales.

1. Serie Iniciación

Estas guitarras están diseñadas para ser cómodas y fáciles de tocar, ideales para aprender los primeros acordes. Son modelos pensados para que los primeros pasos en la música sean cómodos y divertidos.

• ALBA: Modelo de referencia mundial para principiantes. Se adapta a todas las edades gracias a su gama completa de tamaños (1/4 a 4/4) y ofrece opciones electrificadas con cutaway. Construida con tapa de pino y aros/fondo de sapeli.
• SARA: Ideal para estudiantes, destaca por su tono cálido y rico gracias a su fondo de nogal y tapa de pino. Incluye alma o Truss-Rod para ajustar el mástil.
• JAVA: Sonido brillante y equilibrado mediante su tapa de abeto y cuerpo de caoba. Acabado satinado y refuerzo de mástil.

La reparación de trombones exige un conocimiento técnico preciso de los distintos sistemas de válvulas y del funcionamiento mecánico de las varas, así como de los procedimientos adecuados para su desmontaje, limpieza, ajuste y montaje. Un enfoque sistemático y conservador es fundamental para evitar daños irreversibles en componentes de alta precisión.

Antes de intervenir una válvula, es imprescindible proteger las roscas, receptores y superficies lacadas. Para ello se emplean protectores roscados temporales y, cuando es necesario, cinta de protección. El sistema de varillaje debe desmontarse completamente para permitir un acceso seguro y evitar tensiones o torsiones durante la manipulación.

Las válvulas rotatorias pueden presentar diversos diseños, desde modelos tradicionales hasta versiones aligeradas o de doble rotor. A pesar de estas diferencias, el procedimiento básico de desmontaje es similar: se retira el brazo de parada, la placa de parada y posteriormente el rotor, utilizando herramientas que se ajusten correctamente a la rosca del eje. En ausencia de herramientas específicas, puede emplearse una varilla metálica de diámetro adecuado, siempre que no entre en contacto con las roscas, ya que esto podría deformarlas o inutilizarlas.

Aprender a tocar el violonchelo (chelo) es una experiencia musical profundamente gratificante. Con su sonido cálido, expresivo y envolvente, el chelo es uno de los instrumentos más apreciados tanto en la música clásica como en otros géneros. Si estás empezando desde cero, esta guía te ayudará a comprender los fundamentos esenciales para aprender a tocar el chelo correctamente.

¿Qué es el chelo y por qué aprenderlo?

El chelo es un instrumento de cuerda frotada que forma parte de la familia del violín. Cuenta con cuatro cuerdas afinadas en Do, Sol, Re y La, y se toca sentado, con el instrumento apoyado entre las piernas. Muchas personas eligen el chelo por su registro cercano a la voz humana y su versatilidad musical.

Postura correcta al tocar el chelo

Una buena postura es la base para tocar bien y evitar molestias físicas. El chelo debe descansar suavemente entre las piernas, sin apretar. La parte superior del instrumento se apoya ligeramente contra el pecho, y las piernas deben mantener un ángulo cercano a los 90 grados. Usar una silla adecuada es fundamental para lograr una posición cómoda y estable.

La mano izquierda y el diapasón

El diapasón es la parte del chelo donde se presionan las cuerdas para producir distintas notas. La mano izquierda debe mantener una forma relajada de “C”, con los dedos curvados y el pulgar ligeramente doblado. Es importante que el brazo esté alineado desde la muñeca hasta el codo para facilitar el movimiento y la precisión.

Primera posición en el chelo

La primera posición es la más básica y la primera que se aprende. En esta posición se estudian las notas fundamentales de cada cuerda y se desarrollan la afinación y la memoria muscular. Muchos profesores utilizan pegatinas en el diapasón para ayudar a los principiantes a encontrar las notas correctamente.

Cómo sujetar el arco correctamente

La sujeción del arco es uno de los mayores retos para quienes empiezan a tocar el chelo. La clave está en la relajación: los dedos no deben apretar el arco con fuerza. Una mano suelta permite mayor control, mejor sonido y menos tensión al tocar.

Emisión del sonido y uso del arco

Para obtener un buen sonido en el chelo, el arco debe mantenerse perpendicular a la cuerda. El brazo derecho se adapta según la cuerda que se toque, acercándose o alejándose del cuerpo. No es necesario presionar: el peso natural del brazo y la gravedad son suficientes para producir un tono rico y resonante.

Aprender a tocar el chelo es un proceso progresivo que comienza con una buena postura, una técnica relajada y el dominio de la primera posición. Con paciencia y práctica, podrás disfrutar de uno de los instrumentos más bellos y expresivos que existen. A modo de resumen:

1. Introducción al chelo

• Instrumento de cuerda frotada con cuatro cuerdas:
• La (A), Re (D), Sol (G), Do (C)
• Destaca por su tono cálido y expresivo.

Joseph Alessi, trombón principal de la Filarmónica de Nueva York, responde a una de las preguntas más frecuentes entre los trombonistas...¿Cómo elegir la boquilla adecuada? En un vídeo de la marca Laskey, de la cual es artista, narra desde su experiencia personal y profesional, cómo la boquilla debe acompañar el desarrollo del músico a lo largo del tiempo.

1. El nivel y la edad del músico: el punto de partida

Alessi explica que lo primero que hay que considerar es el nivel y la etapa física del intérprete.

Cuando empiezas a tocar trombón, normalmente a los 8 años, usar una boquilla grande no es práctico. El rostro, los labios y los músculos faciales todavía no están completamente desarrollados en un niño.  Por eso, el comenzó con una boquilla pequeña, elegida por su padre.

Idea clave: La boquilla debe adaptarse al tamaño del rostro y al desarrollo físico del músico.

2. El cambio físico y musical con los años

Con el tiempo:

• El cuerpo cambia.
• La musculatura se fortalece.
• El músico toca repertorio más exigente.

Cuando tienes un clarinete por primera vez en las manos, puede parecer un rompecabezas lleno de piezas delicadas y llaves misteriosas. No te preocupes; aprender a armarlo correctamente es más sencillo de lo que parece y es un paso fundamental para comenzar a tocar con seguridad y comodidad. En esta entrada vamos a unir todas las partes del clarinete y entender qué hace cada una, tomándonos el tiempo necesario para cuidar el instrumento y evitar errores comunes.

Caña y boquilla

Lo primero que vamos a hacer es conseguir una caña. Una caña es una pieza pequeña y delgada, hecha de un material parecido a la madera, que utilizan los instrumentos de viento madera para producir sonido. Las cañas vienen en diferentes tipos y tamaños según el instrumento. Por ejemplo, esta es una caña de clarinete y esta es una caña de saxofón alto; puedes ver que es un poco más grande. Las cañas se fabrican a partir de una planta alta y similar a la madera llamada caña o junco, parecida al bambú. En la fábrica, toman esta planta, la cortan en piezas pequeñas y luego raspan parte de la corteza muy finamente hasta convertirla en una caña que podemos usar para el instrumento.

Hay que tener mucho cuidado al sostener la caña, porque esta parte delgada de arriba puede astillarse o romperse si la golpeas accidentalmente contra algo. Cuando se astilla, ya no funciona. Incluso si eres muy cuidadoso, probablemente romperás algunas cañas durante tus primeras lecciones, así que no te sientas tan mal cuando pase. Cuando no estás tocando tu instrumento, la caña se guarda en un estuche para cañas, que puede verse más o menos así. Cuando guardas la caña, debes colocar con mucho cuidado el extremo delgado dentro del estuche y deslizarla solo lo suficiente para que quede asegurada. Como principiante, lo más probable es que uses una caña número 2 o 2½. A medida que avances y con la guía de tu profesor, probablemente pasarás a una 3 o 3½. La última cosa que debes aprender sobre las cañas es que funcionan mejor cuando están húmedas. Por eso, lo primero que hacemos al armar el instrumento es colocar la caña en la boca. No pongas toda la caña en la boca; solo el extremo delgado, hasta donde comienza la parte con corteza. Si no quieres poner la caña en la boca, puedes usar un pequeño recipiente con agua y dejar la caña allí en remojo mientras montas el clarinete.

Cuando empiezas a aprender una nueva pieza musical en el piano, un paso esencial es planificar la digitación con antelación. Es decir, decidir qué dedos usarás para cada nota y cómo moverás la mano para cubrir pasajes que no caben en una sola posición. Si no haces esto desde el principio, puedes terminar cambiando tu digitación de forma inconsciente cada vez que toques la misma pieza, lo que dificultará que la práctica constante te ayude a mejorar y a tocar con mayor fluidez. Aquí os dejamos algunos consejos.

En piano, los dedos se numeran de la siguiente manera:

• El pulgar es el 1
• El índice, o dedo apuntador, es el 2
• El dedo medio es el 3
• El anular es el 4
• El meñique es el 5

Si bien hay quienes creen que las reglas están para romperse, hay cuatro principios básicos que te conviene seguir cuando trabajes en la digitación del teclado:

La salud auditiva es crucial para los músicos, ya que la exposición prolongada a niveles elevados de intensidad sonora puede causar daños irreversibles, como la hipoacusia o sordera inducida por ruido. A continuación, explicaremos algunos consejos prácticos para proteger los oídos, respaldados por una justificación técnica basada en estudios especializados sobre los riesgos auditivos.

Explicación técnica de la protección auditiva

El oído humano tiene limitaciones tanto en frecuencia (20 Hz a 20 kHz) como en intensidad. Las razones para proteger la audición se fundamentan en tres pilares técnicos clave:

La Escala Logarítmica y los Decibelios (dB). La sensación sonora no aumenta de manera lineal con la intensidad del sonido, por lo que se emplea una escala logarítmica para describirla. Un pequeño aumento en los decibelios (dB) representa un incremento significativo en la energía sonora que el oído recibe. Por ejemplo, un aumento de 3 dB duplica la cantidad de energía auditiva, lo que implica que un sonido más fuerte tiene el doble de potencia, lo que puede generar más daño a largo plazo.

Cuando pensamos en la marca J. Michael, probablemente lo primero que nos venga a la mente sean sus instrumentos musicales económicos. Sin embargo, detrás de este nombre hay una curiosa historia que refleja la pasión por la música. En este artículo, exploramos el significado del logo de la marca y su origen.

La historia James Michael el niño musical de Rotherfield

La historia de J. Michael comienza en el pintoresco pueblo de Rotherfield, en East Sussex, Reino Unido. Según cuenta John Newman, distribuidor de la marca en el Reino Unido, la leyenda de J. Michael se remonta a un niño rubio con una voz angelical, que rápidamente cautivó a todos los habitantes del pueblo. Este niño, conocido como James Michael, aunque llamado por todos J. Michael para poder diferenciarlo de su padre el cual se llamaba igual, era un prodigio musical que cantaba en el coro de la antigua iglesia de San Danys. Su talento llamó la atención de un obispo que, impresionado por su habilidad, lo invitó a convertirse en profesor de música en la catedral. Aunque el joven James tuvo que dejar su hogar por cinco largos años, su regreso fue épico.

Cuando volvió a Rotherfield, no solo era un mejor músico, sino que había alcanzado la maestría en la trompeta, siendo reconocido como el mejor trompetista de la región. J. Michael nunca más abandonó su lugar de nacimiento,  se dedicó a compartir su conocimiento musical con todos los niños del pueblo, enseñándoles la misma pasión por la música que había cultivado durante su formación. El nombre J. Michael no es solo un homenaje a este niño prodigio, sino un recordatorio de la tradición y el compromiso con la educación musical que ha sido el núcleo de la marca desde sus inicios.

Las cañas Vandoren han sido durante mucho tiempo la elección preferida de músicos de viento madera en todo el mundo, tanto para clarinete como para saxofón. Con una reputación de alta calidad, consistencia y versatilidad, las cañas de la marca Vandoren ofrecen una gama de productos diseñados para adaptarse a diferentes estilos, niveles de habilidad y necesidades sonoras. En esta guía, exploraremos los diferentes tipos de cañas Vandoren disponibles para clarinete y saxofón, con sus características y ventajas.

Cañas Vandoren para Clarinete

Caña JUNO para Clarinete

Juno son conocidas por su sonoridad timbrada y la facilidad de emisión que ofrecen. Son ideales para músicos de todos los niveles, pero especialmente recomendadas para aquellos que están comenzando o para quienes buscan una ejecución cómoda y consistente.