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¿Estás buscando fomentar el talento musical de tu hijo, nieto, sobrino...?

Animarlos a unirse a una banda, orquesta, escuela de música, o conservatorio  puede abrirles un mundo de oportunidades para establecer amistades, trabajar en grupo y crecer en autonomía personal. Como padre o madre que es nueva en el mundo de la música, es posible que te sientas inseguroa sobre cómo apoyar el viaje musical de tu descendiente. ¡No te preocupes! En esta serie de entradas podrás encontrar algunas respuestas a tus preguntas.

Por qué aprender música es importante

El aula de música sirve como el primer paso de un niño en el mundo de tocar instrumentos musicales. Esta emocionante y desafiante experiencia ha demostrado aumentar la confianza, reducir el estrés y mejorar la función cognitiva. Incluso si no provienes de una tradición musical, aún puedes empoderar a tu hijo para que emprenda este enriquecedor camino.

Con motivo del concierto de Alejandro Sanz en la ciudad de vigo queremos sumergirnos en la fascinante carrera de uno de los artistas más emblemáticos de la música en español. El cantante cuenta con una trayectoria artística que abarca décadas y una capacidad única para conectar con su audiencia, Alejandro Sanz ha dejado una huella imborrable en la industria y en los corazones de millones de fans en todo el mundo.

Sus comienzos

Alejandro Sanz, cuyo nombre completo es Alejandro Sánchez Pizarro, nació el 18 de diciembre de 1968 en Madrid, España. Desde una edad temprana, demostró un amor apasionado por la música, y a los 7 años ya tocaba la guitarra. Sin embargo, fue en la década de los 80 cuando comenzó a darse a conocer en la escena musical española, tocando en pequeños locales y mostrando su talento como compositor.

El Ascenso a la Fama

Fue en 1991 cuando Sanz lanzó su primer álbum "Viviendo Deprisa". Este álbum fue un éxito rotundo y le valió varios premios, incluyendo el prestigioso Premio Ondas al Artista Revelación. La canción "Los Dos Cogidos de la Mano" se convirtió en un himno y dejó claro que estábamos ante una estrella en ascenso.

La historia de la canción del verano

La canción del verano es principalmente un fenómeno cultural que ha existido durante muchos años. Este tipo de temas musicales se vuelven tremendamente populares porque son capaces de capturar el espíritu de la época estival. Las canciones del verano son una forma de celebrar la alegría y la diversión veraniega.

El concepto de canción del verano existe desde hace mucho tiempo. Como en la mayoría de investigaciones sobre un tema, la diversidad de fuentes provoca que existan múltiples teorías sobre el origen del concepto. Por eso, más que enumerar distintas ideas, vamos a realizar un repaso general.

Desde un punto sociológico el verano es una época asociada al disfrute y descanso, esto viene siendo así en la civilización occidental desde hace siglos. Podemos remontarnos a finales del S.XIX como el momento en el cual la música empieza a reflejar el verano como una referencia en cuanto a momento de diversión total. Con el auge de la música popular y los espectáculos vodevil de estados unidos, la idea de espectaculo asociado al verano empieza a calar mucho antes incluso de la aparición de la industria discográfica.

El 16 de abril de 1973 marcó el día en que perdimos a uno de los grandes talentos de la música española, Nino Bravo. Este año, se conmemora el 50º aniversario de su fallecimiento, un momento para honrar su vida, su música y el legado que dejó atrás. A pesar de que su partida fue prematura, su impacto perdura en el tiempo, y su influencia sigue resonando en los corazones de los aficionados a la música en todo el mundo.

En la rica historia musical de España, hay un nombre que brilla con luz propia: Nino Bravo. Conocido por su voz poderosa y sus inolvidables baladas, Nino Bravo se convirtió en un ícono de la música española en la década de 1970. A pesar de su trágico final, su legado perdura hasta el día de hoy, inspirando a generaciones de artistas y cautivando a millones de seguidores. En esta entrada de blog, exploraremos la vida y la carrera de este talentoso cantante, recordando por qué su música sigue siendo tan relevante incluso después de tantos años.

Nino Bravo, cuyo nombre real era Luis Manuel Ferri Llopis, nació el 3 de agosto de 1944 en Valencia, España. Desde temprana edad, mostró un gran interés por la música y el canto, y comenzó a participar en concursos locales. Fue en 1969 cuando su carrera realmente despegó, al firmar un contrato discográfico con la compañía discográfica Fonogram. Su primer éxito, "Te quiero, te quiero", se convirtió rápidamente en un hit en España y marcó el comienzo de una serie de éxitos para el joven cantante.

Lo que realmente destaca de Nino Bravo, además de sus letras, es la calidez de su voz única y poderosa. Dotado de un registro vocal impresionante, podía transmitir emociones profundas y hacer vibrar a sus seguidores con cada nota. Su estilo variado, que abarcaba desde baladas románticas hasta canciones más movidas, le permitió llegar a un público diverso y consolidar su estatus como una de las voces más destacadas de su generación. Canciones como "Un beso y una flor", "Libre" y "Mi tierra" se convirtieron en clásicos instantáneos y aún se escuchan en las emisoras de radio españolas.

Desafortunadamente, la vida de Nino Bravo fue truncada prematuramente. El 16 de abril de 1973, a la edad de 28 años, perdió la vida en un trágico accidente automovilístico, cerca de la localidad de Villarrubio, mientras regresaba de un concierto en la ciudad de Valencia. La noticia de su muerte conmocionó a toda España y dejó un vacío en la música del país. A pesar de su corta carrera, Nino Bravo dejó un legado imborrable. Su estilo vocal y su habilidad para transmitir emociones genuinas a través de la música han influido en numerosos artistas posteriores, tanto en España como en otros países de habla hispana.

Su figura y su música se han convertido en un símbolo de la esperanza y la superación, inspirando a aquellos que luchan por alcanzar sus sueños. El artista dejó un legado musical impresionante con muchas canciones memorables a lo largo de su carrera. A continuación repasamos un listado de las canciones más famosas y queridas por el público:

• Un beso y una flor
• Libre
• América, América

Si estás buscando una lista de grandes bandas sonoras de la historia del cine, estás en el lugar adecuado. En esta entrada repasaremos el poder que tiene la música en el cine para poder de transportarnos a diferentes mundos, evocar emociones y hacernos vivir experiencias inolvidables. Las bandas sonoras de películas desempeñan un papel fundamental en la creación de atmósferas, realzando momentos emocionales y dotando a las escenas de un impacto duradero. A continuación te presentaremos una selección de las mejores bandas sonoras cinematográficas que estamos seguros que merecen un lugar especial en tu lista de reproducción.

• "La La Land" (2016) - Compositor: Justin Hurwitz. La aclamada película musical nos regala una banda sonora vibrante y nostálgica. Con canciones como "City of Stars" y "Another Day of Sun", Justin Hurwitz captura la magia del amor y los sueños en la ciudad de Los Ángeles. "

• "Pulp Fiction" (1994) - La icónica película de Quentin Tarantino cuenta con una selección musical excepcional. Desde "Misirlou" de Dick Dale hasta "Girl, You'll Be a Woman Soon" de Urge Overkill, la banda sonora crea una atmósfera única y enérgica que complementa perfectamente la trama.

Seas un guitarrista principiante o simplemente un apasionado de la música, quizás no sabes que existen varios tipos de guitarras eléctricas en el mercado. Así que en esta entrada de blog, vamos a analizar los principales tipos de guitarras eléctricas y cómo elegir la más adecuada para cada estilo.

Debemos tener en cuenta que cada modelo de guitarra tiene características que lo hacen perfectos para diferentes géneros y estilos musicales.Para clasificar guitarras eléctricas podemos hacerlo tanto según la forma del cuerpo, como en base al tipo de cuerpo que tienen. Hay tres tipos principales de cuerpo de guitarra eléctrica: sólido, hueco y semi-hueco.

• Las guitarras eléctricas de cuerpo sólido son las más comunes. Como su nombre indica, el cuerpo de la guitarra es una sola pieza sólida de madera o materiales sintéticos. Este diseño le da a la guitarra un sonido más brillante, más sostenido y mayor potencia. Las guitarras eléctricas de cuerpo sólido también son más fáciles de amplificar y a menudo se utilizan en géneros musicales como el rock, el metal y el punk. Dentro de las guitarras de cuerpo sólido nos encontramos con distintos modelos

Stratocaster

En esta entrada abordamos tanto la distonía como la disfonía y su relación con la música.

La música es una de las expresiones artísticas más bellas y complejas que existen. Los músicos dedicamos nuestra vida a perfeccionar la técnica, para así poder transmitir emociones a través del arte sonoro. Sin embargo, como cualquier otra actividad, la práctica de la música también puede acarrear consecuencias negativas para la salud. Unas de las condiciones más comunes que afectan a los músicos son la distonía y la disfonía.

¿Qué son la distonía y la disfonía?

Empezaremos por entender que es la distonía en general. La distonía es una afección neurológica que se caracteriza por contracciones musculares involuntarias mantenidas o intermitentes, las cuales pueden causar movimientos repetitivos, posturas anormales o ambos. Este término no caracteriza a una enfermedad sino a un grupo de enfermedades.

Podríamos decir que sí, es posible encordar una guitarra con cuerdas de acero en lugar de cuerdas de nailon. Sin embargo, no se recomienda hacerlo, ya que podría dañar las prestaciones de la guitarra. 

El principal motivo por el que no se recomienda cambiar las cuerdas es por las diferencias entre las guitarras con cuerdas de nailon y las de acero, ya que muy es importante tener en cuenta que cada tipo de cuerda tiene sus propias características y cada una puede sonar de manera diferente en una guitarra determinada.

Motivos para no cambiar de tipo de cuerdas en una misma guitarra: Distinto tipo de tensión de las cuerdas de nailon y las de acero

• Las cuerdas de acero comportan unas fuerzas de tensión más altas que las cuerdas de nailon, lo que significa que aplican unas cargas más altas en el mástil. 
• Por lo tanto, los mástiles de las guitarras con cuerdas de acero incluyen un alma incrustada, que se utiliza para reforzar el mástil y ajustar cualquier deformación. 
• Las guitarras con cuerdas de nailon a menudo no incluyen tales almas incrustadas, debido a las menores fuerzas de tensión aplicadas por las cuerdas de nailon.
• Por lo tanto, el uso de cuerdas de acero en una guitarra con cuerdas de nailon podría provocar la deformación del mástil.

Anchura y profundidad de los surcos de la cejuela

La anchura y la profundidad de los surcos donde se insertan las cuerdas en la cejuela son diferentes. Cambiar de cuerdas de nailon a cuerdas de acero puede implicar la aparición de un zumbido en los trastes debido a una altura inadecuada de la cuerda.