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La música es una forma de arte que a menudo se percibe como una actividad placentera, pero detrás del escenario y el espectáculo, existe un mundo de disciplina, ensayos, giras, horas de estudio y críticas del público. Tanto los músicos como los profesionales de la salud a veces pasan por alto el esfuerzo físico y mental que implica tocar un instrumento.

Según diversas estadísticas, se ha observado que aproximadamente el 75% de los músicos ha experimentado problemas en algún momento de su carrera, y en un 37% de los casos, estas molestias han afectado significativamente su capacidad de tocar o incluso los han obligado a detenerse.

En términos de afecciones, el sistema musculoesquelético es el más afectado (66.4%), con las extremidades superiores y la columna, especialmente la cervical, siendo las áreas más vulnerables. Además, el tipo de instrumento tocado puede influir en la zona del cuerpo más afectada.

El cuidado y mantenimiento adecuado de un violín son esenciales para asegurar su buen estado y longevidad. Los pasos que vamos a mencionar son muy importantes para mantener el instrumento en condiciones óptimas. En esta entrada realizamos un resumen de los puntos clave.

En el mundo de la música y más concretamente en la historia de los instrumentos musicales, hay conexiones inesperadas y curiosas que a menudo revelan los orígenes y evoluciones fascinantes. Uno de esos casos es el del trombón, cuyo nacimiento y evolución está ligado a conceptos tan dispares como espadas y lo divino. En este artículo, exploraremos la historia del trombón, desde sus orígenes hasta su papel en la música clásica.

A mediados del siglo XV, un nuevo miembro se unió a la familia de instrumentos de viento: el trombón. Sin embargo, su origen está rodeado de misterio y mito. Lo que sí sabemos es que, hasta el siglo XVIII, el trombón era conocido como "saqueboute" en francés y "sackbut" en inglés. Pero, ¿qué relación tiene una espada con este instrumento musical?

Aunque las opiniones varían según las fuentes consultadas, hay indicios que sugieren que la palabra "sacquer" en francés, que significa "sacar" (como una espada de su vaina), podría haber influido en la elección del nombre. La acción de deslizar el tubo del trombón para alargarlo se asemejaba al gesto de un espadachín desenvainando su arma. Así, el nombre "saqueboute" o "sackbut" podría haberse originado debido a esta conexión visual. El nombre actual del instrumento significa "trompeta grande". En alemán, este instrumento se llama "posaune", que originalmente significaba "trompeta".

En esta entrada de nuestro blog conoceremos un poco mejor la historia de las guitarras eléctricas. Se trata de una narrativa fascinante de innovación y transformación en el mundo de la música. Aunque las guitarras tienen un legado que se remonta en el tiempo, su potencial estaba limitado en términos de volumen y versatilidad en comparación con otros instrumentos. Sin embargo, todo cambió en la década de 1930, cuando un músico de jazz llamado Charlie Christian dejó una marca indeleble en la historia de la música al dar vida a la primera guitarra eléctrica.

En 1936, Charlie Christian, un virtuoso de la guitarra jazz, buscaba formas de destacar en su banda y lograr una mayor proyección de su instrumento. Fue entonces cuando tuvo una idea innovadora: incorporar una pastilla a una guitarra acústica. Esta pastilla capturaba las vibraciones de las cuerdas y las convertía en señales eléctricas, que luego podían amplificarse a través de un amplificador. Esta audaz experimentación marcó el inicio de la guitarra eléctrica.

Aunque la guitarra eléctrica con pastillas incorporadas abrió nuevas posibilidades sonoras, también presentó desafíos, como la retroalimentación no deseada que limitaba su potencial. La solución a este problema llegó con la invención de la guitarra de cuerpo sólido. En la década de 1940, visionarios ya estaban explorando la idea de construir guitarras sin cavidades huecas para evitar la retroalimentación.

La música es algo maravilloso, tanto que es dificil encontrar a alguna persona que no le guste nada. También es dificil encontrar a alguien al que nunca le picara la curiosidad por probar e intentar empezar a aprender música, mas allá de los típicos pensamientos de miedo, aprender música es una actividad fascinante. Con tiempo y dedicación toda persona interesada puede lograr cumplir su sueño de hacer sus pinitos musicales. Es por eso que en esta guía realizaremos una recoñilación que pueda orientar a aquellos que tengan ganas de empezar en la música pero aún no lo tenga todo muy claro. A continuación mencionaremos los instrumentos más populares y fáciles de aprender para que nadie se quede sin vivir la experiencia de disfrutar de la música en toda su plenitud.

Es importante antes de lanzarse realizar un pequeño análisis para conocer que tipo de músico puedes ser en función de tus casuísticas. Vamos a orientarnos un poco:

• Tiempo disponible:

  • Ventaja: Si tienes mucho tiempo libre, podrás dedicar más horas a practicar tu instrumento y progresar más rápidamente.
  • Desventaja: Si tienes una agenda muy ocupada, puede que te cueste encontrar tiempo para practicar regularmente.

¿Estás buscando fomentar el talento musical de tu hijo, nieto, sobrino...?

Animarlos a unirse a una banda, orquesta, escuela de música, o conservatorio  puede abrirles un mundo de oportunidades para establecer amistades, trabajar en grupo y crecer en autonomía personal. Como padre o madre que es nueva en el mundo de la música, es posible que te sientas inseguroa sobre cómo apoyar el viaje musical de tu descendiente. ¡No te preocupes! En esta serie de entradas podrás encontrar algunas respuestas a tus preguntas.

El aula de música sirve como el primer paso de un niño en el mundo de tocar instrumentos musicales. Esta emocionante y desafiante experiencia ha demostrado aumentar la confianza, reducir el estrés y mejorar la función cognitiva. Incluso si no provienes de una tradición musical, aún puedes empoderar a tu hijo para que emprenda este enriquecedor camino.

Con motivo del concierto de Alejandro Sanz en la ciudad de vigo queremos sumergirnos en la fascinante carrera de uno de los artistas más emblemáticos de la música en español. El cantante cuenta con una trayectoria artística que abarca décadas y una capacidad única para conectar con su audiencia, Alejandro Sanz ha dejado una huella imborrable en la industria y en los corazones de millones de fans en todo el mundo.

Alejandro Sanz, cuyo nombre completo es Alejandro Sánchez Pizarro, nació el 18 de diciembre de 1968 en Madrid, España. Desde una edad temprana, demostró un amor apasionado por la música, y a los 7 años ya tocaba la guitarra. Sin embargo, fue en la década de los 80 cuando comenzó a darse a conocer en la escena musical española, tocando en pequeños locales y mostrando su talento como compositor.

Fue en 1991 cuando Sanz lanzó su primer álbum "Viviendo Deprisa". Este álbum fue un éxito rotundo y le valió varios premios, incluyendo el prestigioso Premio Ondas al Artista Revelación. La canción "Los Dos Cogidos de la Mano" se convirtió en un himno y dejó claro que estábamos ante una estrella en ascenso.

La canción del verano es principalmente un fenómeno cultural que ha existido durante muchos años. Este tipo de temas musicales se vuelven tremendamente populares porque son capaces de capturar el espíritu de la época estival. Las canciones del verano son una forma de celebrar la alegría y la diversión veraniega.

El concepto de canción del verano existe desde hace mucho tiempo. Como en la mayoría de investigaciones sobre un tema, la diversidad de fuentes provoca que existan múltiples teorías sobre el origen del concepto. Por eso, más que enumerar distintas ideas, vamos a realizar un repaso general.

Desde un punto sociológico el verano es una época asociada al disfrute y descanso, esto viene siendo así en la civilización occidental desde hace siglos. Podemos remontarnos a finales del S.XIX como el momento en el cual la música empieza a reflejar el verano como una referencia en cuanto a momento de diversión total. Con el auge de la música popular y los espectáculos vodevil de estados unidos, la idea de espectaculo asociado al verano empieza a calar mucho antes incluso de la aparición de la industria discográfica.

El 16 de abril de 1973 marcó el día en que perdimos a uno de los grandes talentos de la música española, Nino Bravo. Este año, se conmemora el 50º aniversario de su fallecimiento, un momento para honrar su vida, su música y el legado que dejó atrás. A pesar de que su partida fue prematura, su impacto perdura en el tiempo, y su influencia sigue resonando en los corazones de los aficionados a la música en todo el mundo.

En la rica historia musical de España, hay un nombre que brilla con luz propia: Nino Bravo. Conocido por su voz poderosa y sus inolvidables baladas, Nino Bravo se convirtió en un ícono de la música española en la década de 1970. A pesar de su trágico final, su legado perdura hasta el día de hoy, inspirando a generaciones de artistas y cautivando a millones de seguidores. En esta entrada de blog, exploraremos la vida y la carrera de este talentoso cantante, recordando por qué su música sigue siendo tan relevante incluso después de tantos años.

Nino Bravo, cuyo nombre real era Luis Manuel Ferri Llopis, nació el 3 de agosto de 1944 en Valencia, España. Desde temprana edad, mostró un gran interés por la música y el canto, y comenzó a participar en concursos locales. Fue en 1969 cuando su carrera realmente despegó, al firmar un contrato discográfico con la compañía discográfica Fonogram. Su primer éxito, "Te quiero, te quiero", se convirtió rápidamente en un hit en España y marcó el comienzo de una serie de éxitos para el joven cantante.

Lo que realmente destaca de Nino Bravo, además de sus letras, es la calidez de su voz única y poderosa. Dotado de un registro vocal impresionante, podía transmitir emociones profundas y hacer vibrar a sus seguidores con cada nota. Su estilo variado, que abarcaba desde baladas románticas hasta canciones más movidas, le permitió llegar a un público diverso y consolidar su estatus como una de las voces más destacadas de su generación. Canciones como "Un beso y una flor", "Libre" y "Mi tierra" se convirtieron en clásicos instantáneos y aún se escuchan en las emisoras de radio españolas.

Desafortunadamente, la vida de Nino Bravo fue truncada prematuramente. El 16 de abril de 1973, a la edad de 28 años, perdió la vida en un trágico accidente automovilístico, cerca de la localidad de Villarrubio, mientras regresaba de un concierto en la ciudad de Valencia. La noticia de su muerte conmocionó a toda España y dejó un vacío en la música del país. A pesar de su corta carrera, Nino Bravo dejó un legado imborrable. Su estilo vocal y su habilidad para transmitir emociones genuinas a través de la música han influido en numerosos artistas posteriores, tanto en España como en otros países de habla hispana.

Su figura y su música se han convertido en un símbolo de la esperanza y la superación, inspirando a aquellos que luchan por alcanzar sus sueños. El artista dejó un legado musical impresionante con muchas canciones memorables a lo largo de su carrera. A continuación repasamos un listado de las canciones más famosas y queridas por el público:

• Un beso y una flor
• Libre
• América, América

Sumérgete en la fascinante historia de la relación entre los nazis y el saxofón. A medida que se exploran las controvertidas políticas culturales del Tercer Reich, surge una pregunta intrigante relacionada con el mundo de la música: ¿Fue prohibido el saxofón durante el nazismo? En este artículo desentrañaremos los hechos y descubriremos la historía detrás de uno de los misterios más curiosos de las leyendas musicales.

La leyenda de la prohibición del saxofón ha cautivado la imaginación de muchos, pero la realidad es más compleja de lo que parece. Contrariamente a una creencia popular bastante extendida, no existen pruebas sólidas de una prohibición directa del saxofón por parte de los nazis. Diversas fuentes, como el artículo "German Saxophones & The Nazi Party" del blog Bassic Sax, han desafiado esta narrativa, destacando la falta de documentos, leyes o testimonios creíbles que respalden esta afirmación.

Aunque la prohibición del saxofón no se sostiene, el régimen nazi sí promovió una política cultural que buscaba restringir y desacreditar ciertos géneros musicales. La llamada "música degenerada" (Entartete Musik) abarcaba estilos como el jazz, el swing y otras influencias afroamericanas, que se consideraban una amenaza para la pureza cultural y racial alemana. A este tipo de propaganda pertenece el cartel que ilustra la entrada del blog.