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Desde su inicio en 1954 con la producción del primer saxofón tenor T-3, Yanagisawa ha sido sinónimo de excelencia en la fabricación de saxofones. A lo largo de más de seis décadas, la compañía ha evolucionado de manera impresionante, no solo en la calidad de sus instrumentos, sino también en su enfoque hacia la artesanía, la tecnología y la innovación. Si bien el saxofón como instrumento musical tiene una historia relativamente corta en comparación con otros, como el violín o el piano, los saxofones Yanagisawa han logrado conquistar el mundo de la música profesional, ganándose la admiración de músicos y críticos por igual.

Los primeros pasos de la reparación a la producción

La historia de Yanagisawa comienza en 1894, cuando Tokutaro Yanagisawa empezó a reparar instrumentos de viento para las bandas militares japonesas. Su habilidad en la reparación pronto lo llevó a fundar una fábrica, la primera en Japón dedicada a la construcción de instrumentos de viento. Sin embargo, no fue hasta 1951, cuando el hijo de Tokutaro, Takanobu Yanagisawa, construyó su primer saxofón, que la marca comenzó su aventura en la producción de saxofones. A pesar de que ya existían saxofones en Japón, estos eran de baja calidad comparados con los modelos internacionales, y las aspiraciones de Yanagisawa eran mucho más altas.

La búsqueda de la perfección

El verdadero punto de inflexión en la historia de Yanagisawa llegó entre 1968 y 1977, cuando la compañía comenzó a diseñar saxofones que no solo destacaban por su sonido, sino por su diseño estructural. En 1968, lanzaron el primer saxofón soprano japonés (el modelo S-6) y continuaron perfeccionando sus instrumentos para adaptarse a las diferentes necesidades de los músicos. El cambio hacia un enfoque de "tecnología Yanagisawa" se consolidó en 1977, cuando la compañía presentó una nueva línea profesional de saxofones de soprano, alto y tenor, que mostraban el compromiso con la flexibilidad y la versatilidad sonora.

Cuando escuchamos la palabra "himno", muchos pensamos automáticamente en el himno nacional, cantado con solemnidad en eventos oficiales o deportivos. Pero ¿sabías que el concepto de "himno" ha cambiado profundamente a lo largo de los siglos? Y en el caso de España, ¿te has preguntado por qué su himno no tiene letra?

¿Qué es un himno y cómo ha evolucionado?

El término "himno" proviene de la antigua Grecia, donde designaba poemas acompañados de música para alabar a dioses, héroes o conceptos sagrados. Aunque los himnos griegos no influyeron directamente en la música occidental, sí establecieron la base de lo que luego evolucionaría.

Durante siglos, especialmente desde el nacimiento del cristianismo hasta el siglo XVIII, el himno se entendía casi exclusivamente como una forma musical litúrgica, integrada en el rito cristiano. Eran piezas repetitivas, fáciles de aprender y cantar, diseñadas para ser memorizadas por el pueblo, lo cual las hacía herramientas muy eficaces para la difusión de ideas religiosas.

Aunque a primera vista los trombones puedan parecer instrumentos sencillos, un largo tubo de metal con una vara que se desliza, su evolución ha incorporado mecanismos complejos que amplían su registro, mejoran su ergonomía y multiplican sus posibilidades en el ámbito interpretativo.

Entre estos avances, los transpositores o válvulas son de especial importancia, especialmente en los trombones con transpositor en Fa (F-attachment) o trombones bajos. En esta explicación de nuestro blog de música exploraremos los distintos tipos de válvulas y las formas o “wraps” de las tuberías, destacando sus ventajas, inconvenientes y preferencias más habituales entre trombonistas.

¿Qué es un transpositor en un trombón?

Un transpositor (también llamado válvula, trigger o attachment) es un mecanismo que, al ser activado por el pulgar, desvía el flujo de aire a través de un tubo adicional. Esto cambia la longitud total del tubo del instrumento y, por ende, transpone la afinación del trombón, permitiendo alcanzar notas más graves y facilitando ciertos pasajes técnicos.

¿Estás aprendiendo a tocar el saxofón alto o pensando en retomarlo? Entonces sabes que las partituras son tu mejor compañera de viaje. Pero, ¿cómo saber cuáles son adecuadas para tu nivel? ¿Qué libros te ayudan realmente a progresar? Y, muy importante, ¿por qué vale la pena invertir en buenas partituras?

En esta guía te contamos todo lo que necesitas saber para dominar el saxofón alto desde cero: partituras por nivel, consejos de estudio, libros recomendados y por qué comprar partituras puede ser una de las mejores decisiones musicales que tomes.

Niveles de dificultad en partituras para saxofón

En cuanto a la dificultad, se suelen clasificar en tres niveles principales:

Nivel principiante

Las partituras de este nivel incluyen:

• Melodías simples (máximo una octava y media de registro).
• Frases cortas, sin saltos complicados.
• Ritmos básicos (blancas, negras, corcheas).

Contexto y Necesidad

Vigo cuenta con una gran cantidad de músicos con sólida formación y capacidad interpretativa, gracias a la existencia de nueve bandas populares, escuelas de música de calidad, un conservatorio profesional y otro superior, y una Federación de Bandas que promueve estas agrupaciones. Sin embargo, hasta ahora no había en la ciudad una banda de música que reuniera a estos músicos en un proyecto profesional y artístico, que ofreciera un repertorio novedoso, exigente y motivador.

La Banda Filharmónica de Vigo (BFV) surge precisamente para cubrir esta necesidad y ofrecer a los músicos y al público un espacio donde disfrutar y crear música de alta calidad.

Objetivos de la Banda Filharmónica de Vigo

A corto plazo:

ATROGAL es la Asociación da Trompa de Galicia, una entidad sin ánimo de lucro fundada en A Coruña con el objetivo de promover el conocimiento y desarrollo de la trompa, tanto en Galicia como en el ámbito internacional. Esta asociación está formada por trompistas profesionales que trabajan en Galicia o fuera de ella y se centra en:

• La creación de contenidos relacionados con la trompa.

• La organización de actividades promocionales y formativas.

El clarinete volverá a ser el gran protagonista del verano gallego con la VI Edición del Galicia Clarinet Fest, que se celebrará del 28 de julio al 1 de agosto de 2025 en Lalín, epicentro musical de Galicia.

Este festival no es solo una celebración del clarinete, sino una experiencia cultural multidisciplinar que une música, formación, poesía, títeres, comunidad y un altísimo nivel artístico. ¡Y tú puedes ser parte de esta cita imprescindible!

🎓 Academia de primer nivel

Durante cinco días, la Academia del Galicia Clarinet Fest ofrecerá formación intensiva para clarinetistas de todos los niveles. Estará dirigida por un equipo docente internacional de altísimo prestigio, formado por:

¿Eres intérprete, estudiante, docente o simplemente un amante del sonido profundo y expresivo de la tuba y el bombardino? Entonces hay un evento que no puedes perderte: la International Tuba Euphonium Conference (ITEC).

¿Qué es ITEC?

La International Tuba Euphonium Conference (ITEC) es la conferencia internacional más importante dedicada exclusivamente a la tuba y el bombardino. Organizada por la International Tuba and Euphonium Association (ITEA), esta cumbre se celebra cada dos años en distintas partes del mundo y reúne a la comunidad global que gira en torno a estos instrumentos.

¿Quiénes participan?

ITEC es un evento que abre sus puertas a todos los apasionados de la música de metales graves:

• Intérpretes profesionales
• Estudiantes de conservatorio o escuelas de música
• Docentes y pedagogos musicales

¿Qué es un Steel Tongue Drum?

El Steel Tongue Drum, también conocido como tambor de lengüeta de acero, es un instrumento de percusión melódica hecho a partir de una estructura de acero resonante, en la que se recortan lengüetas o "lenguas" que vibran al ser golpeadas. Cada una de estas lenguas produce una nota diferente y está afinada en una escala específica, generalmente pentatónica. Esto significa que no hay notas "incorrectas", lo que hace que el instrumento sea muy accesible para músicos principiantes, niños, terapeutas del sonido y practicantes de meditación.

El sonido que produce es suave, melódico, meditativo y armonioso, ideal para la relajación, la introspección, la musicoterapia, el yoga o simplemente para la exploración musical libre.

Origen del Steel Tongue Drum

El Steel Tongue Drum es un instrumento relativamente reciente. Su creación se remonta a principios de los años 2000 y fue inspirado por varios instrumentos previos, como el Hang Drum (creado en Suiza en 2000) y tambores metálicos tradicionales del Caribe como el Steelpan.

Para empezar puedes pensar en los labios como si fueran una cuerda de violín. Por tanto al igual que una cuerda más corta, una superficie labial más corta (creada por un diámetro interior más pequeño de la boquilla) producirá una superficie de vbración más pequeña. Esta superficie más corta, así como la tensión añadida por la longitud, son lo que ayuda a producir notas en el registro agudo. Por otro lado al igual que con una cuerda más larga, el diámetro interior mayor de la boquilla añade longitud a la superficie vibrante, lo cual ayuda a crear un sonido más grave con una textura sonora más rica.

Prueba esto al elegir boquilla

Muchos músicos eligen el tamaño de la boquilla porque el borde se siente cómodo al entrar en contacto. Aunque la sensación es importante, no debe ser el principal criterio de selección. Primero, necesitas tener una comprensión realista de tu registro. Tu rango no se basa en cuán agudo puedes tocar, sino en cuán agudo puedes tocar sin que el sonido se vuelva delgado y forzado. Con este conocimiento, toca una melodía sencilla o una serie de escalas que te lleven por todos los registros. Escucha el sonido mientras tocas. Si el sonido se vuelve delgado y sin foco en el registro agudo, es muy probable que, al pasar al registro grave extremo, el sonido se vuelva demasiado disperso y "fofo". Por el contrario, si el registro grave es poco definido y delgado, entonces es probable que el registro agudo suene estridente y áspero cuando toques fuerte. Elige un tamaño que te ayude a producir un sonido uniforme en todos los registros.

Cómo afecta la profundidad de la copa al sonido de la boquilla

Muchas veces los músicos creen que su rango de notación depende de la profundidad de la copa de la boquilla; se suele piensar: si la copa es poco profunda, entonces podré tocar más agudo. Pero la verdad es que el rango depende de tu capacidad para hacer vibrar los labios. En lo que sí afecta la profundidad de la copa es el color del sonido que deseas producir. Las copas más profundas ayudan a producir un sonido más oscuro y con mayor cuerpo. Las copas más superficiales apoyan un registro que ya eres capaz de tocar, además de ayudar a crear un sonido más brillante.